Eine Rezension des Balletts „Ein Sommernachtstraum“ von Juliano Nunes an der Oper Leipzig. Zweite Vorstellung, am 13. November 2026.
Von Andersen Storm
Anmut, Können, Witz, Charme und eine durchaus subtile Gesellschaftssatire. Die Oper Leipzig feiert mit Juliano Nunes’ Ballett Ein Sommernachtstraum die Schönheit. Und das tut sie auf einem außerordentlich hohen künstlerischen Niveau.
Schönheit zu feiern ist nicht wenig in einer Gegenwart, die viele Menschen als zunehmend hässlich wahrnehmen. In einer Welt voller gesellschaftlicher Konflikte, Kriege und Kriegsvorbereitungen kann die Erfahrung von Schönheit selbst etwas Kostbares sein. Sie muss sich nicht für ihre Existenz rechtfertigen.
Doch reicht das?
Eine musikalische Meisterleistung
Zunächst ist dieser Abend eine beeindruckende Leistungsschau. Das Leipziger Ballett zeigt herausragendes tänzerisches Können. Die Bewegungen besitzen Anmut, Präzision und Leichtigkeit. Die Figuren werden mit Witz und Charme ausgestattet, die Ensembleszenen sind teilweise von außerordentlicher Eleganz.
Eine eigene Würdigung verdient das Gewandhausorchester unter Matthias Foremny.
Die musikalische Zusammenstellung stellt hohe Anforderungen. Kompositionen von Schostakowitsch, Mendelssohn Bartholdy, Pärt, Weill, Bartók, Elgar, Mascagni und Barber unterscheiden sich erheblich in Instrumentierung, Klangsprache und musikalischer Dramaturgie. Sie zu einem zusammenhängenden Ballettabend zu verbinden, ist keineswegs selbstverständlich.
Dem Gewandhausorchester gelingt dies in Perfektion. Unterschiedliche Klangwelten werden mit einer geradezu verblüffenden Natürlichkeit aneinandergereiht. Die Eigenständigkeit der Werke bleibt erhalten, während eine musikalische Kontinuität entsteht, die den gesamten Abend trägt.
Das ist nicht nur eine Leistung der Musiker, sondern auch der musikalischen Leitung.
Allerdings erwächst daraus eine besondere Herausforderung für die Choreografie. Denn Musik dieser Qualität begleitet nicht einfach den Tanz. Sie besitzt eine eigene Ausdruckskraft, die nach einer gleichwertigen szenischen Gestaltung verlangt.
Wenn die Hochzeit zur Satire wird
Wie gut das funktionieren kann, zeigt ausgerechnet der Hochzeitsmarsch von Mendelssohn Bartholdy.
Während das musikalisch so vertraute und im deutschen Hochzeitsritual fest verankerte Stück erklingt, beginnen Statuen zu tanzen. Die Feierlichkeit des Rituals gerät ins Wanken. Das ist grotesk, charmant und beinahe Slapstick. Eine sehr deutliche Satire auf die Erstarrung gesellschaftlicher Konventionen.
Im Anschluss folgt mit der freiwillig-unfreiwilligen Komik der Handwerker-Laien-Theateraufführung – das muss im Ballett eben auch getanzt sein – eine Aufführung junger Männer, verspielt, unbeholfen, voller Wechsel und komisch inszenierter Unzulänglichkeiten und Verletzungen. Der Kontrast zur starren Feierlichkeit des Hochzeitsrituals wäre wirkungsvoll, wenn diese keine satirischen Überzeichnung gewesen wäre. So sehe ich eine Szene, in der sich junge Männer in ihren Beziehungen untereinander, in ihrer Unzulänglichkeit öffentlich lächerlich machen. Das ist durchaus eine gesellschaftliche Aussage. Immerhin.
Hier zeigt Nunes, was eine Choreografie über das bloße Erzählen einer bekannten Geschichte hinaus leisten kann. Sie kann gesellschaftliche Verhältnisse sichtbar machen, indem sie diese körperlich überzeichnet, verkehrt oder unterläuft.
Und gerade deshalb fällt auf, dass diese gesellschaftskritische Fähigkeit im Werk nicht konsequent weiterentwickelt wird.
Das Adagio: Ein Höhepunkt mit einem dramaturgischen Fehler
Der emotionale Höhepunkt des Abends ist Samuel Barbers Adagio for Strings.
Ich habe dieses Werk schon oft gehört, aber selten mit einer solchen Intensität wie an diesem Abend. Das Gewandhausorchester entwickelte die musikalische Spannung mit außergewöhnlicher Sensibilität. Die zunehmende Verdichtung erfüllte den gesamten Raum. Der Klang war nicht nur Begleitung einer Szene, sondern ein eigenständiges, für mich körperlich erfahrbares Ereignis.
Die Choreografie konnte diese Entwicklung jedoch nicht durchgehend tragen.
Besonders störte mich ein dramaturgischer Eingriff in die Bühnengestaltung. Während die Musik zunehmend intimer wurde und sich die Aufmerksamkeit auf das tanzende Paar konzentrieren sollte, wurden die Kulissen nach oben gezogen.
Der Gedanke dahinter ist nachvollziehbar. Durch das Entfernen der Umgebung soll die Begegnung der beiden Menschen in den Mittelpunkt rücken. Im Film ließe sich eine solche Konzentration durch einen Schnitt oder eine Veränderung des Bildausschnitts herstellen.
Auf der Theaterbühne bleibt das Entfernen der Kulissen aber selbst ein sichtbarer Vorgang. Die Bewegung nach oben lenkt den Blick von den Tanzenden weg, während die Musik die Wahrnehmung immer stärker auf deren Beziehung konzentriert.
Die szenische Bewegung arbeitete damit gegen die musikalische Dramaturgie.
Zeitweise schloss ich die Augen, um die Musik konsistent erleben zu können.
Das ist kein Einwand gegen die tänzerischen Leistungen. Es ist Kritik an einer Inszenierungsentscheidung, die eine beabsichtigte Intensivierung der Intimität ausgerechnet durch eine konkurrierende Bewegung im Bühnenraum zu erreichen versuchte.
Von welcher Liebe ist eigentlich die Rede?
Shakespeares Sommernachtstraum ist voller Begehren, Eifersucht, Verwechslungen, Manipulationen und gesellschaftlicher Zwänge. Er zeigt Menschen, deren Beziehungen sich verändern und die sich über ihre eigenen Gefühle täuschen können.
Aber ist das schon eine Aussage über die Liebe?
Im philosophischen Begriffssystem zur Durchlässigkeit des Seins bezeichnet Liebe nicht eine bestimmte Zuneigung oder sexuelle Beziehung. Sie ist die Voraussetzung von Begegnung und Kommunikation überhaupt.
Aus dieser Perspektive zeigt der Sommernachtstraum vor allem die gesellschaftliche Organisation von Beziehungen, von Begehren und von Erwartungen. Es sind bestimmte Erscheinungsformen menschlicher Verbundenheit, die hier geordnet, manipuliert und schließlich wieder in gesellschaftlich akzeptierte Verhältnisse überführt werden.
Das könnte heute einen spannenden Ausgangspunkt für eine Neuinterpretation bilden.
Denn warum muss ein über 400 Jahre alter Stoff auch 2026 wieder in einer weitgehend heteronormativen Paarordnung enden?
Shakespeares Werk enthält durchaus Mehrdeutigkeiten, intime Beziehungen zwischen Menschen gleichen Geschlechts und erotische Konstellationen, die sich nicht vollständig in die spätere bürgerliche Vorstellung romantischer Zweierbeziehungen einfügen lassen.
Die rechtliche Ausschließlichkeit der heterosexuellen Ehe ist in Deutschland längst aufgehoben. Die gesellschaftliche Gewöhnung an eine bestimmte Normalität von Partnerschaft und Liebe besteht dennoch fort.
Eine zeitgenössische Choreografie könnte diese Differenz aufgreifen. Nicht indem sie einfach homosexuelle Paare an die Stelle heterosexueller setzt, sondern indem sie die Vielfalt menschlicher Beziehungen überhaupt sichtbar werden lässt.
Das Ballett besitzt dafür besondere Möglichkeiten. Körper können miteinander kommunizieren, ohne dass ihre Beziehung sprachlich oder institutionell festgelegt werden muss.
Die Leipziger Inszenierung nutzt diese Offenheit sehr begrenzt.
Die Liebe wird wieder privat
Die Schlussszene lässt sich als Versuch verstehen, die Liebe aus der gesellschaftlichen Reglementierung zurück ins Private zu überführen.
Nach all den Verwechslungen, gesellschaftlichen Ritualen und satirischen Brechungen bleibt die intime Begegnung von Hermia und Lysander. Die Umgebung verschwindet, das Paar steht im Mittelpunkt.
Aber was bedeutet das in der Gegenwart?
Die Befreiung der Liebe von gesellschaftlichen Zwängen kann zugleich ihre gesellschaftliche Bedeutungslosigkeit befestigen. Liebe soll dann vor allem denjenigen gehören, die einander innig zugeneigt sind. Für die gesellschaftlichen Beziehungen außerhalb dieser privaten Zweisamkeit scheint sie nicht zuständig zu sein.
Die Gesellschaft behält ihre Institutionen, das Paar seine Liebe.
Damit reproduziert die Schlussdramaturgie möglicherweise genau jene Trennung, die eine heutige Auseinandersetzung mit dem Stoff infrage stellen könnte.
Das muss keineswegs die Absicht des Choreografen gewesen sein. Es ist eine mir auffallende gesellschaftliche Bedeutung des gezeigten Schlussbildes.
Eine konservative Leistungsschau?
Moritz Jähnig bezeichnet die Aufführung in seiner Rezension als einen „Traum für Traditionalisten“. Diese Einordnung trifft einen wesentlichen Zug der Produktion.
Im Grunde präsentiert die Oper Leipzig eine konservative Leistungsschau auf extrem hohem Niveau.
Konservativ ist dabei zunächst die ästhetische und dramaturgische Orientierung. Sie setzt auf vertraute Formen, auf Virtuosität und Schönheit und schließlich auf ein romantisches Schlussbild, das die überlieferte gesellschaftliche Ordnung der Beziehungen weitgehend unangetastet lässt.
Daraus folgt noch keine Aussage über die politischen Überzeugungen der Künstler.
Anders stellt sich die Frage bei der Institution Oper Leipzig.
Eine Oper ist nicht mit der Kunst zu verwechseln. Sie ist eine hochgradig institutionalisierte Einrichtung, die entscheidet, welche Kunst mit welchen Mitteln, unter welchen Bedingungen und für welches Publikum produziert und öffentlich präsentiert wird.
Es ist durchaus zu fragen, ob eine solche Produktion nicht auch Ergebnis einer bewussten programmatischen Entscheidung ist.
Soll hier einem traditionsorientierten Publikum ein besonders attraktives Angebot gemacht werden? Welche Rolle spielen wirtschaftlicher Druck, Publikumserwartungen und die politischen Veränderungen in Deutschland und Mitteldeutschland? Könnte eine konservative Ästhetik auch Ausdruck institutioneller Anpassung sein?
Im Umfeld einer gesellschaftlichen Konstellation, wie sie sich unter anderem bei der Landtagswahl in Sachsen-Anhalt 2026 zeigte, sind solche Fragen keineswegs abwegig.
Ich will nicht aus der Ästhetik einer Aufführung unmittelbar auf politische Aufträge oder Absichten der Opernleitung schließen. Das wäre auch skurril, denn – wem gehört die Schönheit am Ende?
Die Fragen müssen dennoch stehen bleiben.
Selbst eine journalistisch zweifelsfreie Rekonstruktion der internen Entscheidungsprozesse würde nicht die entscheidende Frage beantworten: Welche gesellschaftliche Wirkung entfaltet das Kunstwerk tatsächlich?
Die Wirkung einer Inszenierung ist nicht mit der Absicht ihrer Urheber identisch.
Zwischen Beifall und Anerkennung
Auch das Publikum ist Teil einer Aufführung.
Dass Menschen ihre Begeisterung spontan durch Applaus ausdrücken, ist erfreulich. Doch wenn nach beinahe jeder besonders gelungenen Passage geklatscht wird, kann das die musikalischen und szenischen Zusammenhänge stören und qualifiziert ein Publikum auch nicht wirklich.
Die Oper Leipzig bewältigt den Betrieb eines voll besetzten Hauses mit bemerkenswerter Routine. Von der Organisation bis zum Ablauf zeigt sich eine Institution, die mit großen Publikumszahlen souverän umgehen kann.
Bedauerlich für mich ist es, dass sich die konkrete Besetzung einer einzelnen Vorstellung im Internet nicht zuverlässig nachvollziehen lässt. Gerade die hervorragenden Leistungen der Tänzerinnen und Tänzer verdienen eine namentliche Würdigung. Die bloße Veröffentlichung wechselnder Doppelbesetzungen reicht dafür nicht aus.
Die Schönheit und ihre Grenzen
Was bleibt von diesem Abend?
Zunächst ein außergewöhnliches künstlerisches Erlebnis. Ein glänzendes Gewandhausorchester, ein beeindruckendes Ballettensemble, wunderbare Bilder, Witz, Charme und einige ausgesprochen gelungene satirische Momente.
Und die Erfahrung einer Schönheit, die in unserer Gegenwart keineswegs selbstverständlich erscheint.
Doch bei aller Bewunderung bleibt eine Frage.
Die Oper Leipzig zeigt mit diesem Sommernachtstraum, zu welchen künstlerischen Leistungen sie fähig ist. Zugleich zeigt die Inszenierung, wie stark eine Institution auch bei höchster künstlerischer Qualität innerhalb vertrauter gesellschaftlicher Ordnungen verbleiben kann/will. Muss?
Schönheit zu feiern ist eine Aufgabe der Kunst. Vielleicht sogar eine besonders wertvolle in einer Zeit, die von Konflikten, Zerstörung und gesellschaftlicher Verhärtung geprägt ist.
Aber Kunst kann mehr – etwas sichtbar machen, das über die bereits bekannte Welt hinausgeht. Sie kann Verbindungen eröffnen, für die eine Gesellschaft noch keine selbstverständlichen Formen gefunden hat. Niemand muss deshalb auf Schönheit verzichten.
Der Sommernachtstraum bietet dafür reichlich Stoff.
Juliano Nunes und das Leipziger Ballett haben daraus einen wunderschönen Abend gemacht.
Aber reicht es, einer Gesellschaft eine ehemals vertraute Welt in vollendeter Schönheit noch einmal vorzuführen?
Andersen Storm
Menschundkultur.de
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Quellenverweis: Moritz Jähnigs „Ein Traum für Traditionalisten“
